Retrospectiva al límite de superficies

JJ Macías, apenado por narración de comentarista de Multimedios
Por:
  • larazon

Superficies límite es la primera exposición que revisa la trayectoria de más de quince años de la artista Sofía Táboas. La muestra se está presentando en el Museo de Arte Carrillo Gil, en San Ángel. En la exhibición encontraremos una serie de obras producidas específicamente para el espacio, y con las cuales se construyó la estructura del mismo.

El trabajo expuesto se desarrolla en los campos de la instalación in situ y la escultura. Sofía Táboas reflexiona a través de materiales que sugieren su exceso y parecen cancelar su uso inicial sobre cómo opera nuestra percepción dentro de un espacio habitable, para lo cual retoma algunas de las ideas del arte postminimalista y del arte póvera. Piensa que con el postminimalismo tiene vínculos, por el tipo de trabajo y los materiales que utiliza.

En todo creador siempre hay influencias identificables de dónde se alimenta, sin duda que Sofía ha revisado a los postminimalistas, pero su trabajo también está nutrido de otros artistas, los que tienen que ver con los procesos y con el color. Se enriquece de la obra que gusta ver y el resultado lo podemos disfrutar en Superficies límite con una muy buena exposición.

Dice Itala Schmelz, la curadora de la muestra: “dentro de su investigación conceptual, Sofía Táboas aborda la disyuntiva entre distinguir lo natural y lo artificial, a través de una serie de trabajos con plantas vivas o con materiales que niegan sus propias cualidades y que a su vez, se muestran como reflejos y transparencias, o bien desaparecen al poco tiempo de ser instalados. Su interés reside en el concepto de transformación, de cómo un material puede usarse para evocar espacios sin llegar a ser ilusionista”.

A Sofía Táboas bien puede ubicarse dentro del arte vinculado a sitios específicos y al proceso de una estética personal, que dentro del arte contemporáneo podría leerse desde campos distintos como fenomenológicos o conceptuales. Su propuesta escultórica pretende hablar desde una posición personal sobre el mundo, sin llegar a ser un arte de género. De esto conversó en exclusiva para La Razón.

¿Es Superficies límite su primera exposición retrospectiva? Sí. En realidad esta muestra tiene un sesgo retrospectivo, aunque más bien es una retrospectiva parcial. La mitad de las piezas son del 2011 y las otras son versiones nuevas (la más antigua es de 1993).

¿Por qué es importante esta muestra? Porque es la primera vez que expongo individualmente, además de hacerlo con estas características en un museo. También por el diálogo que pude sostener con Itala Schmelz, quien fungió como curadora de mi exposición además de ser la directora de este recinto. La revisión de Itala da claridad a mi trabajo, facilitando que estén en la muestra piezas representativas de mi producción, con un corte distinto a lo que se había visto sólo en muestras colectivas. En esta exposición se puede obtener una lectura mucho más completa de mi trabajo de más de 15 años, una lectura menos parcial de lo que sucede cuando ves una pieza aisladamente.

¿Qué importancia tiene recrear piezas específicas para exhibirse en el Museo de Arte Carrillo Gil? ¿Cuáles son estas obras? Entre las piezas que recree para el museo está Algodón degenerado, integrada con algodón de azúcar e hilos de nylon; otra es la pieza de diamantina Muro que se desprende, con formatos diferentes a la anteriormente creada por mi, pues como son piezas in situ, me adecuo a las características de la altura, del ancho de las paredes; la otra es Muro Plateado —de la colección JUMEX—, un muro en L; por último, encontramos otras recreación para el museo: Alfombra-Cromático, 1993-2011, (alfombra, madera y vinil. 20 x 20 x 2 cm, cada una de las piezas), la primera versión era muy pequeña y no era para sitio específico alguno, estaba compuesta por 24 piezas y ahora son poco más de doscientas. Para sitio específico también preparé obras nuevas: La Ventana y La Foto, las hice pensando en la sala del museo, en su espacio físico, en la ventana, en la superficie límite del museo que queda expuesta gracias a la construcción de al lado que tiene en la actualidad una excavación profunda, la foto que expongo es el lateral del edificio del inmueble de arte. La Ventana tiene una pecera con un cultivo real de lama, en el espacio real de la ventana del museo, es mi manera de interactuar con el espacio.

¿Cuáles artistas le han marcado creativamente? La generación de artistas de California. En el Estados Unidos de los años setentas me interesan mucho por su trabajo: Yayoi Kusama, Yoko Ono, Robert Smithson, Dan Graham, Gordon MattaClark, James Turrell, entre muchos otros.

¿Qué importancia tiene el proceso y los materiales que emplea? Para mí es importante el proceso de los materiales que escojo y que tienen la facultad de transformarse, sean vivos o efímeros, como es el caso del algodón de azúcar y el cultivo de lama o plantas. La posibilidad de que deje ciertas pautas en la instrucción y luego la obra en si misma evolucione o termine de una manera distinta a la que yo esperaba o decida como es el final de la pieza, de alguna forma se auto construye, es importante no tener toda la certidumbre de cómo va a terminar, de no saberlo todo sobre la pieza, como que te provoca una riqueza que no tienen otras donde todo está fríamente calculado, como en los fragmentos de alberca que expongo. La sorpresa en las piezas procesuales para mí genera y abre caminos distintos a los que uno podría imaginar.

¿Cómo es su proceso creativo? Para mí es muy importante conocer el espacio donde estará la obra, pasar tiempo allí, reconocerlo, encontrar sus características o simplemente dejar que el propio espacio me detone la pieza, que me la sugiera. En el caso del museo fue difícil porque algunas obrasque se incluirían en la exposición estaban decididas. Lo que hice fue generar e inventar el espacio. Por suerte existía la ventana y la pude descubrir, sumándole el diseño espacial y de mamparas que también realicé. En un espacio de galería o museístico es más complicado porque son muy neutrales, yo prefiero trabajar donde el espacio tiene su propia personalidad del lugar y ese contexto puede dar o proveer información para que surjan las obras.

El público que asista a esta muestra verá piezas muy diversas tanto en lo formal como en lo material, se encontrará con un rompimiento de la cotidianidad, que le resultará refrescante, divertido y energético. El arte es una manera de conocimiento y de acercamiento al mundo desde otro punto de vista.

http://ernestolozano.artelista.com

http://blogs.3.80.3.65/deartesvisuales/

Sofía Táboas

Artista plástica

» Licenciada en Artes Visuales (1986-90), por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM

» Miembro fundador del espacio alternativo Temístocles 44

» Exposiciones individuales: Cinco jardines flotantes para cinco piedras, Casa del Lago, ciudad de México, 2009; Azul Pacífico, Casa-Estudio Luis Barragán, ciudad de México, 2008; Giro espacial, Kurimanzutto, Uruguay 52, Centro Histórico, ciudad de México, 2004, entre muchas otras.

» Exposiciones internacionales: Homing Devices, University of South Florida Contemporary Art Museum, Miami, EU, 2007; Emotive and Ironic, Speed Art Museum, Lounsville, KY, EU, 2006.; INTER.PLAY, Museo de Arte Contemporáneo, San Juan, Puerto Rico y The Moore Building, Miami, EUA, 2002; Fukuroi City Project,

Fukuroi, Japón, 2001, entre otras.